Tra i temi ricorrenti e più riusciti, c’è sicuramente quello della neve. In “Ultima neve di primavera” (secondo premio alla ventesima biennale d’arte del Friuli-Venezia Giulia della Galleria Tiepolo di Udine), ad esempio, Michelotti riesce a rendere lo sciogliersi della neve – appena accennata e vaporosa come il cotone – che pare ritrarsi sotto i nostri occhi lasciando spazio al verde primaverile dell’erba e al viola dei narcisi, suggerendo così il significato di un rifiorire della vita dopo l’inverno. Un effetto che infonde movimento e dinamismo all’opera.

In “Paesaggio innevato”, invece, l’artista riesce a trasmettere il senso di morbidezza del manto nevoso e orchestra abilmente giochi di luci ed ombre.

Effetti luministici che assumono maggiore complessità in “Riflessi sulla neve” –   opera segnalata in occasione della mostra alla Galleria San Vidal di Venezia – dove il sole al tramonto, sull’orizzonte, dona al paesaggio una coloritura dorata, accrescendone la forza emotiva.

Di grande suggestione “Piazza San Giacomo innevata”, virata nei toni del grigio e del rosa, dove un elegante tocco, in punta di pennello, dipinge, con grazia quasi barocca, la preziosità del prospetto rinascimentale della chiesa udinese, con una luce morbida che promana da un cielo plumbeo di neve.

Giochi di luce e neve anche in “Udine innevata”, che raffigura piazza Primo maggio con, sullo sfondo, uno sfocato profilo di campanile e in primo piano sintetiche silhouette di figurette nere che rendono la scena brulicante di vita.

Spesso il paesaggio comunica una forte carica simbolica. E’ il caso di “Solitudine” (opera segnalata alla mostra “Artisti italiani” della “Scoletta S. Zaccaria” di Venezia. La composizione è dominata dal protagonismo di due scarni alberi rinsecchiti, a suggerire sentimenti, appunto, di solitudine e malinconia. Ad ammantare la scena di un’atmosfera serena è, però, ancora una vola la luce che accende di bianco le nuvole dello sfondo e investe anche i due alberi, in un riuscito gioco di chiaroscuri. Quest’opera, inoltre, testimonia l’approdo della tecnica di Michelotti ad una maggiore sintesi nella resa del paesaggio.

La medesima tecnica emerge anche in “Cascata tra i rami” – opera segnalata alla mostra al Caffè San Marco a Cividale -. In primo piano, poche pennellate di bianco suggeriscono la schiuma dell’acqua che scorre tra le rocce, mentre sullo sfondo la diversa intensità del verde degli alberi conferisce profondità alla scena.

In  “Fiume Tagliamento” (opera segnalata alla mostra collettiva tenutasi al Parlamento di Strasburgo) la staticità del paesaggio montano, con un fiume in primo piano, è animata dalla luce che promana abbagliante e infonde un’atmosfera azzurrina alle montagne che fanno da sfondo alla composizione, quasi a suggerire l’indicibile presenza di Dio.

Nel ritratto dei “Coniugi Cepparo” (Cividale), la mobilità del viso del marito sembra suggerire un’indole estroversa, completata dalla silenziosa sollecitudine della moglie.

Numerosi sono i ritratti dedicati da Ermanno Michelotti alla moglie Luciana. Nell’opera a fianco, l’artista ne offre un’immagine luminosa, incentrata sullo sguardo penetrante, che suggerisce un carattere aperto e deciso.

Nel il ritratto di Papa Giovanni XXIII, il sorriso aperto e lo sguardo intenso rivelano tutta l’indole del Papa Buono.

Madre Teresa di Calcutta è colta nell’intenso abbraccio ad un bambino – che ad essa si abbandona sicuro – mentre lo sguardo della santa appare rivolto verso una luce che illumina entrambi, quasi a simboleggiare l’attitudine di Madre Teresa a vedere nel povero la presenza di Dio.

Più rigida e austera l’impostazione nel quadro che ritrae Madre Maria Domenica Mazzarello, fondatrice delle suore salesiane della Congregazione delle Figlie di Maria Ausiliatrice.

Sempre per la parrocchiale di San Giovanni Bosco, Michelotti ha realizzato, nel 2011, anche il ciclo di quindici stazioni della Via Crucis (olio su tavola). Si tratta di opere di piccole dimensioni in cui lo scopo didascalico e descrittivo è tradotto in scene delicatamente animate e mosse, in uno stile classicheggiante che sembra guardare a modelli ottocenteschi. Particolarmente riuscita la stazione dedicata alla Crocifissione, con il bellissimo contrasto tra l’azzurro livido del cielo e il bianco di un brandello di nuvola che taglia la scena, alle spalle del Cristo, creando un efficace effetto drammatico.

Da notare che alla canonica serie di 14 stazioni, Michelotti ne ha aggiunta una quindicesima, “nell’idea che la preghiera cristiana nella contemplazione della passione – affermò in occasione della presentazione del ciclo, il 6 marzo 2011 –  non può fermarsi alla morte, ma deve guardare al di là, allo sbocco di cui i Vangeli ci parlano, e cioè la Resurrezione”.

Infine, per la chiesa di San Giovanni Bosco, Michelotti ha dipinto due angeli, di gusto liberty, ad adornare la nuova sistemazione del tabernacolo.

Stessi stilemi classici della Via Crucis del Bearzi si ravvisano nella grande tela della “Trasfigurazione”, custodita nella cappella dell’altare maggiore, nella chiesa di Albaredo d’Adige (Verona), opera che si caratterizza per il raffinato gioco di luce che promana dalla figura del Cristo, assiso in una corona di nuvole assieme a Mosè ed Elia, per poi effondersi sugli apostoli Pietro, Giacomo e Giovanni.

In “Tramonto” colpiscono i giochi di luce dell’ombra del sole sul mare e il volo del gabbiano ritratto in un audace scorcio.

In “Contemplazione”, il segno si fa sintetico e leggero, e l’uomo, ritratto di spalle di fronte all’infinito del mare e con la sua figura che si sdoppia e si allunga nell’ombra riflessa sull’acqua, assume profondo valore simbolico divenendo metafora del rapporto tra uomo e infinito, tra uomo e mistero della trascendenza.

In “Carnia”, scenografica è l’inquadratura delle povere case di montagna, in sassi e legno, viste attraverso i poderosi archi a sesto acuto di una loggia in pietra, con un bel contrasto tra luci ed ombre.

Valore simbolico anche nell’acquaforte-acquatinta “Il nido” dominato dal candore delle tre uova deposte nelle quali sembra pulsare la vita.

Non manca nelle grafiche la figura umana. “Ritratto di bambina” si impone per l’espressività degli occhi che diventano centro della composizione.

“L’attesa” assume delicato significato simbolico, con un figura femminile ritratta di tre quarti, il profilo del viso appena accennato, il capo reclinato, le mani congiunte sulla bocca ad esprimere uno sguardo sul futuro carico di trepidante speranza.